当代中国画“写意精神”式微，是这两年备受诟病的现象。而作为最能够“深沉复杂”地承载写意精神的花鸟画——尤其是大写意花鸟的衰落更是让人痛心不已。而在最近，我们却不无欣喜地看到，在广州市美协花鸟画艺委会承办的“百花颂花城”活动中，近百位广州一线画家以他们的实际行动，为弘扬花鸟画的“写意精神”做出了集体性的“发声”。并且将借春节花市的契机，将失落已久的“写意之美”带入民间，拉近和公众的审美距离。我们究竟应该如何重新发扬花鸟画创作的“写意之美”?

素描作品欣赏

素描和色彩土壤里开不出写意之花

很多人说全国美展入选的写意画太少，工笔画太多，其实这只是问题的表象，问题的症结在于能把写意画画好的人太少了。坦白讲，全国美展中为数不多的几张写意画，我认为都不该入选，因为水平不行。相比之下，工笔画毕竟在造型、色彩上有真功夫，起码不是欺世盗名之作。

中国画，尤其是写意画，画得好要有灵性，得有学问，传统功力还得扎实。齐白石、黄宾虹等大家，哪个不是诗词歌赋样样精通?所以他们能画出好的写意画。现在的画家画不出好的写意画，简单地说就是因为文化水平太差。因为写意画需要的文化底蕴都是真功夫，甚至是“童子功”，不像工笔画的技法那么容易被训练出来。

怎样才能画好写意画?首先，古代诗词得学，文言文得会，传统著作得读，书法也得会。写意画家如果不懂书法，永远也画不好，绘画格调也上不去。可以说书法功底有多深，绘画格调才能有多高，黄宾虹、齐白石、潘天寿，一个都不例外。中国的写意画，如果有所谓捷径的话，那就是练字。对书法和绘画的力气至少应该下得平均，特别是在学习阶段。

说到这里就不能不提一下现在的美院教育。现在的艺术教育系统，对古典文化、书法都不做要求，考的是素描和色彩。这些都是西画的基础，你怎么能指望在这个基础上开出“写意”之花呢?其实，美院里西画的专业，可以按照西画的方式来招生，而中国画应该考诗词、书法，还有临摹古画——你还是得会画，技术一点没有也不行。只有这样，才能带动整个中国画的创作和发展，真正发扬“写意精神”。

有关机构也可以在这方面做一些事情。据我所知，其实还是有好些不错的写意画家，但是他们反而不会参加全国美展，他们觉得参加一两次就可以了，没有太大的热情持续参加。所以美协如果能动员这些优秀的画家来参加画展，真正地画几张好的写意画来引领全国美展的审美导向，也是个不错的办法。

写意精神归根结底是笔墨精神

中国的写意画，虽然追溯到唐代就有，但真正的高峰，是以明清的徐渭、八大山人为代表的。可以说从那个时候起，中国艺术就基本走上了写意的道路，能够立得住脚的艺术大师也都是写意画家。

现代美术大师吴昌硕、齐白石、黄宾虹也都是以写意见长的。这不是历史的偶然，而是艺术发展必然的走向——就是具象和写意，究竟哪个才是艺术的更高境界。八大山人画的一条鱼，不用画水、不用画草，但能让人感觉出这条鱼的灵动。这是非常奇妙的艺术表达方式，也是中国画最精髓、最根本的东西，是一个更加开阔和自由的天地。我不是说工笔画不美，西画不美，但是在写意面前，得承认还是有差距的。

但不仅是当代，其实在写意的整个发展历程中，也曾出现过萧条。那时有人会认为，你就这样“草草几笔”，算什么功夫呢?写意画无论是从创作还是从欣赏上来看，都是有门槛的，而在我们中华的文脉断裂数十年之后，写意精神的失落可以说是积重难返，整个社会上能欣赏写意画的人也不多。而且我们美术界现在也有很不好的导向，5年一届的全国美展，中国画的评选里面，可以说百分之九十八都是工笔画，这和写意画在中国画中的地位是严重不配套的。这个导向造成的后果就是：整个社会对写意画越来越缺少了解，尤其是年轻人。大家都觉得工笔画美，却对中国画最核心的、精神性的东西缺乏了解和欣赏的能力。

而另一方面，我们不得不承认：现在能画好写意画的画家确实不多。因为相对工笔画而言，画好写意画需要更深厚的文化底蕴，也需诗、书、画、印各方面的素质要求。古代很多宫廷里的工笔画家，画好画都不落款，为什么?因为他的书法不过关。而事实上，如果书法不过关，在中国画的创作方面要想达到顶峰是非常难的。写意精神归根结底就是笔墨精神，所以书法写不好，成不了伟大的中国画家。像潘天寿曾说的，7天不画画没有关系，但不能一天不写书法。国画里所有的线条都是用毛笔来表现的，对于花鸟画来说，其实就是线的穿插，线与线的搭配，哪里留白，疏密的安排……你把书法的感觉带进去，你的画面自然就有了独特的地方，有了写意的味道。

当代花鸟画最缺的是人文情怀

中国画三个组成部分：山水、人物、花鸟，发展最充分、水平最高、成就最大的就是花鸟画。但不论哪种题材，古人基本都画完了。工笔有北宋的院体，写意有明清的徐渭、八大、金农等，都达到了一个极致的高度。

所以在当代，画花鸟是最难的。古代的人物画，对人体没有充分的了解，又受文化的影响，在表达上束手束脚，所以在很多方面，当代画家还有开拓的空间;而古代山水画，因为受生产力的局限，视野比较狭窄，当然中国人因此发明了散点透视法，把群山峻岭都纳入一张画中。但现在生产力提高了，当代人的眼界、胸襟都比古人开阔，也有空间继续开掘;唯独花鸟画，无论是观察的视野、程度，还是艺术的技巧、趣味，古人没有哪方面逊色于当代人，所以当代的花鸟画家面对历史上的一座座高峰，实在没办法。

所以从我个人来说，我敢画山水，敢画人物，就是不太敢画花鸟。因为艺术总得有所超越、有所不同才能凸显价值。如果只能重复前人，创作的意义肯定就被削弱了。

今天的画家如果要画花鸟画，仍纠结于前人的技法就没有意义了，唯一的出路是发挥艺术家的个性，表达出对物象、对花鸟独特的个人感受。在这方面，我觉得当代的画家还是有一些开拓空间的。毕竟，古人眼中的花鸟跟今人眼中的不太一样。比如梅、兰、竹、菊是“四君子”，古人是把自己的文人情怀寄托在其中的。可是现代的人哪还懂什么是“君子”，我们还寄托和古人相同的情怀在里面，其实只是一种浅薄的模仿。我们没有古人的人文情怀、胸襟抱负，只能画一些表面的东西，深度自然会削弱。所以当代画家要仔细琢磨的是：怎么用花鸟寄托当代人的情怀。这就要求花鸟画家必须得增强自身的文化修养，得真正地具有这种人文情怀，才能把它寄托在当代花鸟画的创作中。

而工笔和写意，归根结底都是一种表达方法。就算是写意，也不见得有情怀，也可能只是些表面功夫。相比工笔，写意更加需要情怀，没有情怀的工笔还有些功夫可以看看，而写意已经超越了物象，完全靠笔墨的发挥，没有情怀还有什么可看的?不过从另一个角度来看，我也承认，写意相较于工笔，突破了技术的束缚，也更加适合情怀的发挥，所以这里面也确实蕴藏更大突破的可能。　

写意精神式微已久

改变绝非一日之功

前年我在国家画院研修，受教于王孟奇先生，他和杨晓阳院长等一再地提及国画创作中写意精神的重要性。而从更大的范围来说，无论是中国画的意境、古典诗词的诗意，戏曲的一唱三叹，道宗、禅宗的精神内核，都离不了“意”。可能是从那个时候，我对这个问题有了特别的关注和思考。

写意精神是中国画的精髓，也是核心价值——这基本是所有艺术家的共识，但在当代，这种精神却面临式微的命运。一个最明显的表现就是全国美展：获奖及入选作品，几乎都是对物象的精致刻画，写意可说寥寥无几。以至于有人说笑：假如齐白石、吴昌硕活到今天，恐怕也很难在全国美展入选获奖了。

还有一种说法是：当代的写意水平降低了，根本选不出好的。工笔至少还有个“表面功夫”，总好过“要技术没技术，要思想也没思想”的伪“写意画”。美院的马文西老师曾说，他很难招到一些优秀的画写意的学生，大部分学生都选择以工笔作为主攻方向。为什么?因为想画好写意画特别难，除了对写意精神的感悟外，书法、篆刻、诗词、音乐都得懂。现在美院的招生、教学系统基本采用西方模式，中国传统文化的教学是缺失的。事实上，现在美院的学生，画写意画在技术上不存在任何障碍，画不好是因为在文化底蕴这一块需要补的课太多了。

而且，画写意画有时候跟一个人的年龄、阅历还有关系，很多人可能要到了一定的年龄，才会有那么一点感觉，像黄宾虹、吴昌硕、齐白石等大师是越到老写意艺术越炉火纯青，所以有人也会说中国写意画其实是一种“老人艺术”。

所以，“写意精神”的式微，要想改变绝非一日之功。那么我们面对这个问题，能不能做一些力所能及的事情呢?我们花鸟画艺委会在策划《百花颂花城》活动时就在一起商量，能不能借机宣传一下“写意之美”。毕竟，写意的失落跟整个社会的审美取向有很大的关系。写意画不像工笔画那么容易欣赏，有一种扑面而来的、精致的美感。如果说工笔的花鸟画，描摹的一朵花仅仅是一朵花，那么大写意描绘的一朵花，更像一首用笔墨唱出的心中的歌。歌的旋律有长音有短调，笔墨线条的长短、快慢、舒缓，奇妙的布局和走势也营造出了一种节奏感。对写意画的欣赏，其实也是需要学习的，如果整个艺术界的创作都弥漫工笔之风，那公众欣赏水平的提高也是无从谈起。让人感到欣喜的是，我们的想法得到了许多画家热情的回应。